La mostra “Ecce Homo” di Liu Ke, curata da Fabio Cavallucci presso la Galleria Giovanni Bonelli, presenta un nucleo di lavori recenti in cui l’astrazione si configura come processo di condensazione percettiva più che come allontanamento dal reale. Le superfici pittoriche, apparentemente aniconiche, rivelano progressivamente tracce di paesaggi e allusioni corporee, attivando una visione instabile e stratificata. Il titolo, riletto da una prospettiva non occidentale, perde il suo riferimento univoco per aprirsi a una riflessione più ampia sulla condizione umana e sull’atto stesso dell’esporsi. In questo contesto, la pittura diventa spazio di intersezione tra pensiero e sensazione, mentre il dialogo con giovani artisti e la pratica curatoriale dell’artista contribuiscono a delineare un’idea di arte come forma attiva di ricerca e costruzione culturale.

Con questo testo attraversiamo "CIMA" di Matthias Odin come un’esperienza percettiva e riflessiva, più che come un’analisi oggettiva. A partire dalle casse e dai materiali recuperati da un contesto industriale legato alla produzione bellica, la mostra attiva una tensione tra presenza e assenza, visibile e invisibile. L’attenzione si sposta progressivamente su ciò che sfugge allo sguardo: i processi, le infrastrutture e le storie che restano fuori campo. Attraverso un linguaggio visivo fatto di frammenti, sospensioni e cancellazioni, Odin mette in crisi l’idea di immagine come strumento di comprensione immediata, suggerendo invece una relazione più complessa tra percezione, memoria e rimozione. Il testo restituisce questa esperienza in forma soggettiva, interrogando lo scarto tra ciò che vediamo e ciò che riusciamo davvero a comprendere.

Con “Vertex”, Jason Martin presenta alla Galleria Christian Stein un ciclo di opere che indagano la pittura come esperienza fisica e percettiva. Le superfici, lavorate attraverso gesti incisivi e strumenti non convenzionali, si configurano come campi dinamici in cui luce, materia e ritmo entrano in relazione instabile. Pur radicata nell’astrazione, la ricerca di Martin lascia emergere suggestioni atmosferiche e paesaggistiche, senza mai tradursi in rappresentazione. Il risultato è una pittura che resiste alla fissità dell’immagine e si offre come spazio di percezione, invitando lo sguardo a sostare in una dimensione di continua trasformazione.

La mostra “Over, under and in between” di Mona Hatoum alla Fondazione Prada sviluppa una riflessione sulla precarietà contemporanea attraverso tre installazioni site-specific che mettono in tensione spazio, materia e percezione. Tra ragnatele sospese, mappe instabili e strutture in oscillazione, il lavoro dell’artista costruisce un’esperienza in cui attrazione e minaccia coesistono, invitando a ripensare il rapporto tra corpo, ambiente e sistemi di rappresentazione. Senza ricorrere a una narrazione lineare, la mostra configura un campo percettivo in cui la stabilità si rivela come una condizione sempre provvisoria e negoziata.

Presentiamo una riflessione sulla mostra “Keep thinking nobody does it like you here comes the sunset” di Jonathan Lyndon Chase presso Gió Marconi, soffermandoci sulla dimensione domestica come spazio di stratificazione emotiva e memoria. Attraverso ambienti quotidiani trasformati in paesaggi interiori, Chase costruisce una narrazione non lineare della vita queer nera, in cui corpo, spazio e tempo si intrecciano in modo instabile. L’articolo adotta uno sguardo introspettivo per indagare la tensione tra visibilità e opacità, tra presenza e sottrazione, evidenziando come la casa diventi un organismo vivo, capace di trattenere tracce, affetti e residui di esperienza. Ne emerge una lettura che privilegia la percezione e la risonanza emotiva rispetto all’interpretazione definitiva.

“Nessun Boato” di Francesco Pacelli configura uno spazio percettivo sospeso in cui il vuoto si manifesta come condizione generativa piuttosto che come assenza. Attraverso una serie di opere che oscillano tra dimensione cosmica e organica, la mostra indaga i meccanismi con cui la mente umana costruisce senso a partire dall’indistinto. La temporalità profonda evocata nei lavori, insieme all’ambiguità formale delle sculture e alla progressiva opacizzazione dello sguardo, produce un’esperienza instabile e non risolutiva. In questo contesto, il caos non è disordine ma origine, e il significato emerge come processo fragile, continuamente negoziato tra percezione e immaginazione.